Leder, Norsk kunstårbok 2011 Editorial, Norwegian Art Yearbook 2011

I april 2011 ble Kunstnernes Informasjonskontor, som har gitt ut Norsk kunstårbok siden 1992, slått konkurs etter en lang nedleggelsesprosess, og årboka sto i fare for å forsvinne. Redaksjonen mener dette ville vært et stort tap for norsk kunstliv, og har derfor tatt initiativ til å redde årboka. Årets utgave er produsert med støtte av Norsk kulturråd og i samråd med KIKs sine stiftere og årbokkonseptets nye eiere Norske Billedkunstnere (NBK), Norske Kunsthåndverkere (NK), Unge Kunsternes Samfund (UKS) og Forbundet Frie Fotografer (FFF) . Vårt videre mål er å etablere Norsk kunstårbok som en selvstendig enhet som skal utgi årboka på fast basis.

Med fjorårets utgave av Norsk kunstårbok innledet vi en serie bøker der vi ønsker å kombinere årbokas dokumenterende form med en aktuell diskusjon om norske kunstinstitusjoner og deres rolle i kunstlivet. Vi vil med dette bidra til en institusjonskritikk som tar opp i seg hvordan forholdene mellom kunstner, kunstinstitusjon, publikum, og offentlige myndigheter har endret seg siden 1990-årene, og hvilken påvirkning dette har på kunsten som produseres og vises i dag. I denne utgaven og i de to neste vil vi spesielt se på om og hvordan disse endringene har ført til endringer i instrumentaliseringen av kunstfeltet.

Som hovedfokus i årets kunstårbok har vi sett nærmere på landets største kunstprodusent, KORO, statens fagorgan for kunst i offentlige rom. I Kristian Meisingsets artikkel får vi historien om hvordan KORO har utviklet sine ambisjoner fra å være en tildeler av penger og arbeid til kunstnere, og en utsmykker av statlige bygg, til å ville være en aktør i samtidskunstfeltet som initierer og produserer egne prosjekter. Dagens KORO vil være deltager i en demokratisk offentlighet der tanken om den autonome kunsten som særegen erfaringsform settes til side til fordel for ambisjoner om å være en politisk relevant og kritisk institusjon.

KOROs direktør Gro Kraft beskriver utsmykking som et utdatert begrep og ønsker seg i stedet kunst som problematiserer og utfordrer rommene de blir produsert til. Stikkordene er dialog og samtale, men også konflikt og utfordring av makt. I 1980- og 90-årene arbeidet Utsmykkingsfondet for at kunstnere skulle trekkes tidligere inn i planleggingen av offentlige bygg, for at kunsten ikke skulle være underordnet arkitekturen men i stedet være i et reelt samspill med den. I dag er det heller den kritiske og utfordrende samtidskunsten som er forbildet. KORO vil på banen som produsent av aktuell og kritisk samtidskunst. Vi mener KOROs virksomhet bør underlegges krav om åremål og at det er viktig at bestemte kunstsyn ikke sementeres.

Hva innebærer det at en stor statlig aktør som blant annet leverer kunst til politikkens indre rom, fengsler og militærforlegn inger, men også til skoler og offentlige plasser, har konflikt og utfordring av makt som ledetråd? Hvordan skal staten være i konflikt med seg selv? Kritikerne av KORO mener det er umulig, og at kritikken KORO initierer, nødvendigvis vil være temmet. Ledelsen i KORO mener at de kan produsere kunst som utfordrer grensene, er på kant med loven, og utøver sivil ulydighet.

Charles Esche var en av de toneangivende kuratorene på 2000-tallet og gjennomførte i sin tid som direktør for Rooseum kunsthall i Malmö en radikal omdanning av kunsthallen fra et sted der publikum kommer for å betrakte kunst til et sted for deltagelse og samtale. I intervjuet med Esche i årets årbok, beskriver han kunstfeltet som et sted der man kan handle politisk på en måte som ikke lenger er mulig innenfor den politiske diskursen, og at kunstinstitusjonen for ham er et instrument for dette. For Esche, som siden 2004 har vært direktør ved Van Abbemuseum i Eindhoven, er kunstfeltets viktigste oppgave å opprettholde en offentlig sfære for debatt og utvekslinger av meninger som han ser som truet ellers i samfunnet.

Hverken for Esche eller for ledelsen i KORO er det noe problem at instrumentaliseringen av kunsten, uansett formål, innebærer en svekking av dens autonomi. For Esche er den autonome kunsten en fiksjon og kunst er alltid på en eller annen måte instrumentalisert. I sin artikkel «Kunst på anbud» etterlyser Anders Eiebakke en større bevissthet blant kunstnere om hvordan målstyring av kunst fører til selvsensur og kunstnerisk utarming. Når andre enn kunstnerne selv bestemmer hva de skal jobbe med og hvordan, har kunsten mistet sin frihet. Han mener at kunstnere selv må ta mye av ansvaret for at systemet de er en del av er blitt gjennomsyret av nyttetenkning og målstyring.

Erlend Hammer skriver i sin tekst «Kunstfeltets selvutslettende retorikk», at forsøkene på å gjøre kunsten relevant i samfunnet ved å være aktuell og politisk har feilet. Han mener ofringen av autonomien til fordel for «kunstens kritiske potensial» som legitimering kan vise seg å bli fatal etter hvert som høyrepopulisme og offentlige nedskjæringer også vil ramme norsk kunstliv. Hvorfor skal det offentlige finansiere kunst og kunstproduksjon som bygger på ideologiske oppfatninger flertallet av velgerne ikke deler? Det er et spørsmål kunstfeltet i Norge i sterkere grad kommer til å bli møtt med og som Hammer mener at man ennå ikke har utviklet gode nok argumenter mot. Han kritiserer kunstnerne og kunstnernes fagorganisasjoner for utelukkende å arbeide for bedrede livs- og arbeidsvilkår når det som trengs er å skape større interesse for kunst i samfunnet.

Solveig Øvstebø har siden 2003 bygget opp Bergen kunsthall til en av landets viktigste og mest profesjonelle kunstinstitusjoner. Med inspirasjon fra 1990-tallets «milde institusjonskritikk», men med mer fokus på utstillingsproduksjon enn på diskursproduksjon har hun skapt en kunsthall med lokal forankring koblet med internasjonalt arbeide. I intervjuet med Øvstebø i årets bok sier hun at det er gjennom det tette samarbeidet med kunstnerne at man utvikler en god visningsinstitusjon. årboka inneholder ellers nyskrevne kritikker fra fem av Norges mest sentrale kritikere, som har valgt hvert sitt prosjekt fra 2010 de ville trekke fram, et rikt billedmateriale fra kunståret, og en enquete hvor ulike aktører fra kunstfeltet i Norge har oppsummert sine høydepunkter fra 2010. Boka begynner med en seksjon med noen utvalgte prosjekter som redaksjonen mener fortjener å trekkes frem fra kunståret 2010.

Samtidig med at boka kommer ut, lanserer vi nettstedet norwegianartyearbook.no. Norsk kunstårboks nye nettside inneholder aktuell informasjon om kunstårboka, i tillegg til oversikten over utstillinger og arrangementer som du finner bakerst i denne boka. Over tid vil denne listen vokse til et arkiv over norsk kunstliv, der man kan skaffe seg informasjon om vår nære kunsthistorie. Samspillet mellom nettsiden og boka vil utvikles videre i løpet av de neste par årene.

Vi håper denne kunstårboka kan bidra til å få i gang samtaler vi mener det er viktig at kunstfeltet tar initiativ til, og at kombinasjonen av diskurs og formidling også fremover vil gjøre årboka til et uunnværlig bidrag til den norske kunstsamtalen.


In April 2011 the Artists' Information Office, which has produced the Norwegian Art Yearbook since 1992, was declared bankrupt after a long closure procedure, seriously threatening the future of this annual publication. Believing it would be a great loss for the Norwegian art world if the Yearbook were to disappear, its editors have rallied round to rescue it. This year's edition has been produced with support from Arts Council Norway and in consultation with the new owners of the Yearbook concept (Norwegian Visual Artists Association (NBK), Norwegian Association for Arts and Crafts (NK), Young Artists Society (UKS) and Norwegian Association of Fine Arts Photographers (FFF)). Our longer term goal is to consolidate the Norwegian Art Yearbook as an independent undertaking that is better placed to appear on a regular basis.

With last year's edition, we initiated a format for the publication that combines the annual retrospective approach with a topical discussion of Norwegian art institutions and their role in artistic life. It is our hope that this structure will contribute to an institutional critique that explores the changes that have taken place since the 1990s in the ways artists, art institutions, the public, and government institutions interact, and the impact of these changes on the art that is currently being produced and shown. In the current edition, and in the next two, we will look in particular at whether and how these changes are causing an instrumentalisation of art.

As a main topic in this year's Art Yearbook, we focus on the country's largest art producer, KORO, Norway's government agency for art in public spaces. Kristian Meisingset has contributed an article that describes the evolution of KORO's ambitions over the years. After starting out as an institution whose remit was to provide, on the one hand, grants and employment to artists and, on the other, art for public buildings, KORO now seeks to play a defining role in shaping the contemporary art field by becoming an initiator and producer of projects in its own right. Today's KORO seeks to participate in a democratic society by setting aside the notion of the autonomous artwork as a source of distinctive experience in favour of a function that is politically relevant and critical.

For KORO's director, Gro Kraft, the concept of «utsmykking» – the artistic embellishment of buildings – is outdated. In its place she prefers a type of art that highlights topical issues and is challenging to the space for which the work is produced. The keywords here are dialogue and conversation on the one hand, and conflict and the confronting of power on the other. In the 1980s and 90s, Utsmykkingsfondet for offentlige bygg (the National Foundation for Art in Public Buildings), as KORO was called back then, fought for the right of artists to be involved from early on in the planning of public buildings, so that their art would not be subordinate to the architecture, but would instead interact with it in a meaningful way. Today it is the more critical and challenging forms of contemporary expression that provide the ideal. KORO wants a piece of the action as a producer of relevant and critical contemporary art. In our view, KORO's activities should be regulated by requiring fixed terms for its directors and the avoidance of any fixed definition of art.

What does it imply when a major government institution, which is responsible for supplying art not just to the inner corridors of the political establishment, to prisons and military bases, but also to schools and public spaces, adopts conflict and the confronting of power as a guiding principle? How can the state be in conflict with itself? KORO's opponents consider it an absurdity, and claim that any critical art that KORO produces is bound to be toothless. KORO's directors, on the other hand, believe they can produce art that challenges boundaries, is at odds with the law, and practises civil disobedience.

Charles Esche was one of the most influential curators of the 2000s. In his time as director of Rooseum in Malmö he supervised a radical transformation of that institution from a Kunsthalle where people come to contemplate art to one that invites participation and dialogue. In the interview with Esche in this year's Yearbook, he describes the art sector as a space that allows forms of political action that are no longer possible in the conventional realm of political discourse, and the art institution as an instrument for such action. For Esche, who has been director of the Van Abbemuseum in Eindhoven since 2004, the most important task for the art sector is to maintain a public arena for debate and the exchange of opinions, which he considers threatened elsewhere in society.

Neither Esche nor the directors of KORO consider it a problem that the instrumentalisation of art for any purpose whatsoever implies a weakening of art's autonomy. For Esche autonomous art is a fiction, and art is allways instrumental in one way or the other. In his article «Putting art out to tender», Anders Eiebakke argues that artists need to be more aware that the assigning of objectives to art is likely to result in greater selfcensorship and shallower art. When people other than the artists themselves decide what they should work on and how, then art loses its freedom. Eiebakke believes that artists themselves must accept much of the blame for the fact that the system of which they are a part is now saturated with a utilitarian and goal-oriented mentality.

In his text «The self-defeating rhetoric of the art world», Erlend Hammer writes that attempts to make art socially relevant by demanding that it focus on topical and political issues have failed. He believes that the tendency to legitimise art by referring to its «critical potential» rather than its autonomy may well prove disastrous if and when the Norwegian art sector comes to feel the full impact of rightwing populism and government cutbacks. Why should the government fund art and artistic production that builds on ideological views the majority of voters do not share? It is a question the art field in Norway will increasingly have to confront, and Hammer believes we still need to improve the arguments we offer in response. He criticises artists and their interest organisations for working exclusively to improve living and working conditions when what they really need to do is cultivate a broader interest in art among the general public.

Since 2003, Solveig Øvstebø has built Bergen kunsthall into one of Norway's most renowned and prestigious art institutions. Drawing inspiration from the «mild institutional critique" of the 1990s and by focusing on the production of exhibitions rather than of discourse, she has created a Kunsthalle that profiles international work without sacrificing its local attachments. In the interview with her in this edition of the Yearbook, Øvstebø says that the secret of becoming a good exhibition space is close cooperation with the artists. In addition to these articles, the Yearbook contains specially commissioned reviews by five of Norway's best known critics, each describing a project from 2010 of the author's choice. The past art year is illuminated with a wealth of photographic material, and a survey in which various notable figures in the Norwegian art field describe their personal favourites from 2010. The book begins with a presentation of selected projects from the art year 2010 which the editors themselves consider worthy of special mention.

Parallel to the publication of the book, we will be launching the website norwegianartyearbook.no, which will contain further information about the Art Yearbook, together with a listing of exhibitions and events similar to the one to be found in the back of this book. In time, we will expand this list into an archive detailing activities in the Norwegian art sector, which will serve as a source of information about the country's recent art history. The synergy between the website and the book will be further developed in the years to come.

It is our hope that this Art Yearbook will help to stimulate the debates we believe the art world should be pursuing, and that the blend of opinion and information will guarantee it a place as a compelling contribution to the art discourse in Norway.